Reproduction des tableaux du Caravage peints à la main

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Faire une reproduction à l'huile sur toile des tableaux de Caravage

Faire de belles reproductions des tableaux du Caravage n'est pas une tâche aisée.

Son œuvre puissante et novatrice révolutionne la peinture du XVIIe siècle par son caractère naturaliste, son réalisme parfois brutal et l'emploi appuyé de la technique du clair-obscur allant jusqu'au ténébrisme.

Il utilise dans beaucoup de tableaux des éclairages de théâtre, souvent sombre, jouant avec la lumière pour créer une atmosphère mystérieuse. 

 

Il s'agit donc tout d'abord, pour créer une reproduction fidèle, de reproduire parfaitement ces jeux de clair-obscurs, en reproduisant les couleurs de l'original parfaitement. Une différence de tonalité entraînerait une différence d'atmosphère et ruinerait le tableau.

 

Reproduire les textures vient ensuite. Il y a souvent du travail sur les drapés, les reflets d'armure aux tons ternes lustrés, qui eux aussi demandent beaucoup de précision. Reproduire un drapé est essentiel à l'harmonie du tableau, et les couleurs doivent êtres fidèlement copiés.

 

Il y a également chez Le Caravage un très gros travail sur les visages, et les plus burinés, aux rides profondes, demandent à l'artiste de respecter scrupuleusement les couleurs de peaux, qui reflètent la personnalité des sujets. Un très bon exemple est celui de Judith décapitant Holopherne, dans sa dernière version.

Le style de Caravage

En cette fin de XVIe siècle, l'influence du maniérisme est encore prégnant. Les artistes enjolivent le naturel, allongent les membres, gomment les ombres, font fi de la perspective ou des proportions. L'art est allégorie et vecteur d'émotions, en réaction à la rigueur représentative, quasi scientifique, de la Renaissance.

 

Caravage choisit le contre-pied : son fameux clair-obscur flirte avec le ténébrisme, les chairs prennent des reflets maladifs, ses morts ne semblent pas endormis. C'est dans la rue et dans la vie qu'il trouve ses sujets, joueurs de cartes et diseuse de bonne aventure. Les scènes de genre s'apprêtent à gagner du galon.

Et sa nouvelle «identité visuelle» forte, le distingue des autres.

 

En plein contexte de la Contre-Réforme, où le concile de Trente préconise une peinture plus simple et plus lisible que celle des artistes de la Renaissance classique et maniériste, Caravage aura effectué en respectant ses commanditaires une série d'innovations qui eurent un succès quasi immédiat.

 

On distingue trois périodes dans l’art du Caravage :

 

  • La Manière claire : première période romaine entre 1594 et 1600. On y sent encore l’influence maniériste avec une palette claire, une facture lisse et brillante. On y observe cependant la mise en place du schéma caravagesque dans le cadrage et la composition (détaillé dans la partie suivante). La Diseuse de bonne aventure (v. 1595) conservée au musée du Louvre en est un excellent exemple. Notons que cette période est celle de la création de nombreux sujets et thèmes qui connaîtront une très grande pérennité dans la peinture occidentale.

 

  • La Manière noire : entre 1600 et 1606, s’affirme le rôle de la lumière et le jeu des contrastes avec le développement du « clair-obscur caravagesque ».

 

  • La Période d’errance : entre 1606 et 1610, où la facture devient de plus en plus vibrante et obscure. Parfois appelé le « piétisme caravagesque », le peintre abandonne son ironie et son insolence probablement en raison de la culpabilité qui l’assaillit à la suite d'un duel ayant tourné au meurtre. Cette période semble marquée par une recherche d’absolution divine.

 

Précisons que les recherches les plus récentes ont tendance à relativiser, même si elle est indéniable, une évolution de sa peinture vers l’obscurité.

Quelques tableaux de Caravage

Une petite histoire de Caravage

Peintre italien né à Milan en 1571, Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit le Caravage, est resté célèbre pour l'évolution qu'il a insufflée à la peinture de la Renaissance, en s'affranchissant du maniérisme et en se constituant un style personnel : le caravagisme, mêlant le goût pour le naturalisme et une utilisation sans compromis du clair-obscur.

Né dans la région milanaise en 1571, le Caravage entre en apprentissage dans l'atelier de peinture de Simone Peterzano en 1584. Il quitte Milan pour Rome en 1592 et entre dans un autre atelier de peintre dans lequel il est chargé de la réalisation de fruits et de natures mortes. Il quitte cet atelier peu après et commence à travailler pour de riches citoyens romains. Plaisant autant qu'il dérange, son style novateur lui attire rapidement une notoriété importante. C'est ainsi qu'il lui est demandé, en 1599, de réaliser des toiles sur la vie de Saint Mathieu, destinées à décorer la chapelle Contarelli de l'église Saint-Louis-des-Français.

 

D'un tempérament vif et impulsif, le Caravage s'attire des ennuis en se mêlant à des rixes, qui le conduisent régulièrement en prison. Si son talent et ses protecteurs lui évitent un temps les ennuis, la mort d'un adversaire lors d'un duel avec l'artiste le force à l'exil en 1606. Recherché pour meurtre, le peintre mène alors une vie d'errance, qui le conduit de Naples à Malte en passant par la Sicile d'où il regagne Naples en 1609. C'est dans cette ville qu'il peint ses derniers tableaux avant de trouver la mort, sur le chemin de son retour à Rome, à l'hôpital de Porto Ercole, le 18 juillet 1610.

Lisez ici une biographie de Caravage

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